DAN HALTER “Never say never”
Mostra a cura di Carla Roncato e P&P.
Catalogo con testi di Francesco Tedeschi e Bettina Malcomess.



Prima mostra in Italia e in Europa del giovane artista Dan Halter, nato ad Harare, nello Zimbabwe, ma da qualche anno operante a Cape Town, in Sudafrica.
L’esposizione consiste in lavori realizzati con l’uso dei diversi media – video, istallazioni, elaborazioni manuali e concettuali - all’interno dei quali si svolge la sua ricerca, toccando motivi che, partendo dalla realtà immediata dell’Africa australe, offrono una lettura di alcune tematiche culturali e geografiche riguardanti le relazioni fra le diverse aree del pianeta in epoca post-coloniale.
La mostra si avvale di un catalogo edito per l’occasione, comprendente le illustrazioni dei lavori che esposti e un testo di Francesco Tedeschi dal quale sono tratti gli stralci seguenti:

“Never Say Never”?
Le opere di Dan Halter tra immagini, mappe e transazioni

(...) Nel suo lavoro emerge una capacità di rileggere alcune delle emergenze sociali ed economiche che caratterizzano la vita del suo paese d’origine, senza che queste vengano però trattate in modo didascalico.
Piuttosto, esse sono il punto di partenza di elaborazioni valide a cogliere un livello simbolico e riflessivo nella lettura del mondo in cui viviamo e dirette a suscitare la possibile funzione catartica che l’oggetto d’arte può svolgere nella realtà, passando dal livello descrittivo a quello rappresentativo. In particolare, tra gli argomenti del suo operare hanno una forza immediata i riferimenti ad alcuni aspetti di una realtà “locale” che ben riflettono questioni di natura “globale”: dai tentativi di riordinare dall’alto l’organizzazione statale, tramite la misurazione e la rilettura della distribuzione terriera, all’abbandono a un’inflazione impossibile da sostenere, alla continua presenza del virus dell’HIV, tutti problemi che condizionano la vita dei singoli e della collettività del paese africano, insieme con i residui di una difficile fase post-coloniale. Nelle sue opere un ruolo di primo piano hanno alcune mappe dello Zimbabwe da lui composte cucendo insieme frammenti di carta colorata, proveniente dalle banconote del paese, tagliuzzate come carta straccia, da pagine di elenchi telefonici o di libri scelti in relazione a particolari significati attribuiti ai loro contenuti. (...)

Biografia dell’artista
Dan Halter è nato ad Harare, in Zimbabwe, nel 1977. Ha lasciato il suo paese d’origine dopo aver terminato gli studi per recarsi in Svizzera, dove ha partecipato da artista ad un anno di corso alla Schüle für Gestaltung di Zurigo. Nel 2001 si è trasferito in Sud Africa e si è diplomato con successo alla Michaelis School of fine Art della University of Cape Town. Nel 2006 ha avuto la sua prima esposizione personale, intitolata “Take me to your leader”, presso la João Ferreira Gallery di Cape Town. Ha preso parte a numerose mostre collettive, come “Second to None” nella South African National Gallery, “Zeitgenössiche Fotokunst aus Südafrika” al Neuer Berliner Kunstverein (NBK) e “VideoBrasil” a São Paulo nel 2007. Insegna videografia alla Michaelis School of Fine Art, UCT. Nel 2008 svolgerà due periodi come “artist in residence” a Zurigo e a Rio de Janeiro.

Centrale nella sua poetica e' il tema del frammento, iconografico ma soprattutto testuale, di parole scritte e stampate: raccogliere lacerti, brani, rime sparse, schegge di contesti differenti e ricomporli in un tutto diverso e inedito, non in funzione della malinconica nostalgia di un passato perduto, ma in vista di una reinterpretazione attiva, cosciente, pragmatica. E' per questa ragione che, dal 1972 al 1990, molte sue opere sono riunite sotto l'etichetta VIVE, un’espressione tipografica con cui si indica in bozza ciò che, inizialmente cancellato, viene poi recuperato: l'arte e' strumento di recupero di cio' che è normalmente considerato marginale, e che può invece contenere in sé una visione significativa della realtà.


Le più recenti opere, esposte nella mostra da Derbylius, sono raccolte nella serie IO MENTO, di cui diamo di seguito alcuni pareri critici formulati da Gillo Dorfles, Pier Aldo Rovatti, Marco Senaldi, Aldo Tagliaferri, Roberto Borghi.

Dalle cancellazioni alle riaffermazioni (“VIVE”); dalle invenzioni alle contraffazioni; Xerra ha sempre saputo mescolare l’autentico con il fittizio; i relitti gloriosi del passato con le improvvisazioni del presente, usare l’elemento preso a prestito per costruire un originale che era tale solo per chi ne accettasse il compromesso. Ecco, allora, che questo suo estremo manifesto “IO MENTO” non può stupire. Tanto affermazioni come “Mento sul mio perdono”; quanto quelle come “Mento sulla mia verità” sono autentiche. E non potremmo addirittura convenire che sono tutte sottoscrivibili? Almeno da chiunque abbia il coraggio di guardare in faccia l’epoca che attraversiamo: fatta di falsità e di falsificazioni sociali, politiche, religiose; eppure carica di fermenti che forse domani potranno contribuire alla realizzazione di opere non più menzognere; di opere che corrispondano – come quelle di Xerra – a una loro autonoma verità.

Gillo Dorfles

Esiste comunque un impianto soggettivo di chi in qualche modo dispone di essere bugiardo, ma se stiamo a questo livello, non pensate che abbiamo già ipostatizzato, tenuto ben custodito un concetto di verità che non siamo disposti assolutamente a toccare? Perché se voglio essere bugiardo so quello che voglio e quindi c’è una verità che custodisco nel momento in cui la nego.
Pier Aldo Rovatti

Che cosa dice l’enunciato io mento? “E’ assolutamente falso rispondere a questo io mento che, se tu dici io mento, in questo dici la verità, e allora non menti, e così di seguito. E’ assolutamente chiaro che l’io mento, malgrado il suo paradosso, è perfettamente valido. Infatti, l’io che enuncia, l’io dell’enunciazione, non è lo stesso io dell’enunciato…” (Jacques Lacan, “Analisi e verità, 1964). Il “logo” creativo che Xerra appone sulle sue opere più recenti, IO MENTO, sembra andare nella stessa direzione designata con precisione da Lacan. Il problema non è infatti il paradosso, per cui, se uno sta dicendo il vero, allora effettivamente è bugiardo, ma se dice una bugia, dichiarando che “mente”, smentisce se stesso e afferma il vero… Il problema invece è quale “io” sta mentendo effettivamente, se il pronome contenuto nella frase o il soggetto che la dice – come chi, sottoposto a una minaccia, cerchi di dire la verità (“sono minacciato”) con le parole stesse con cui smentisce tutto (“no, va tutto benissimo, nessuno mi sta minacciando…”). Nell’arte le cose vanno un po’ allo stesso modo: a dire “mento” è infatti in prima persona il quadro stesso, ma ciò significa che il vero e il falso non si affrontano più da contendenti, la loro inimicizia è già oggetto da cartolina-ricordo, giace sotto la stessa lastra di vetro, entro la stessa cornice, di un’arte che “parla da sé”, e che perciò, anche se mente (è illusoria, è un trompe l’oeil, eccetera) disegna il campo stesso di una Verità più sottile e più grande della semplice “esattezza”.
Marco Senaldi

Fingendosi rassegnato alla menzogna, come se, fuori dalla sua opera, qualcuno detenesse la verità e fosse quindi in grado di confutarlo, in realtà Xerra sa bene di trovarsi al sicuro, dato che egli si è trincerato in una posizione di estraneità rispetto alle dispute intorno al vero pur provocandole.
Aldo Tagliaferri

Ammettiamo pure che, per fare arte, un po’di menzogna sia necessaria: dobbiamo comunque riconoscere che, negli ultimi anni, l’entità di quel “po’” si è così dilatata da assumere proporzioni inquietanti. Alla menzogna fisiologica al fare arte – ovvero il processo secondo cui l’arte non riproduce oggettivamente la realtà, ma ne propone una rielaborazione soggettiva, e quindi inevitabilmente falsificata, una mera rappresentazione che pretende però di rivelarne il senso – si è sostituita una menzogna studiata, più artificiosa che artistica, una falsità costruita “ad arte” ma secondo parametri di marketing. In arte non si falsifica più la realtà per trovarne il senso, ma la si abbellisce o la si peggiora solo per riscuotere un consenso da far valere sul mercato. Non può quindi sorprenderci che gli artisti trendy oggi utilizzino un linguaggio pubblicitario ( e spesso, nelle strategie di affermazione dei loro “prodotti”, siano affiancati da pubblicitari che si improvvisano curatori, collezionisti e galleristi d’arte): l’importante è attirare l’attenzione, costruire scandali programmati a tavolino prendendo di mira argomenti di scottante attualità, su cui versare immancabili lacrime di coccodrillo. Questi artisti, secondo un’asserzione contenuta in uno dei manifesti di William Xerra, “mentono sapendo di mentire”. E allora è proprio il caso di mettere a nudo la menzogna che sovrintende ai processi artistici, così come a tutte le dinamiche comunicative che cercano il consenso senza prima aver indicato un senso. Ed è bene farlo proprio con gli strumenti della comunicazione stessa, con il mezzo basilare di ogni strategia pubblicitaria: il manifesto. Per questa ragione, Xerra ha pensato di realizzare delle opere che possano essere stampate e affisse negli spazi solitamente dedicati alla cartellonistica commerciale. Dal momento che la pubblicità – il suo linguaggio, le sue modalità d’espressione – ha colonizzato l’arte, è opportuno che l’arte inizia colonizzare la pubblicità. L’esito potrebbe essere sorprendente: potrebbe anche succedere che, una volta messa a nudo, la menzogna ci riveli una scomoda verità.
Roberto Borghi

“LEGGERE, non leggere” ...
...Libro d'artista e oltre – 5a edizione

Irma Blank, Enrico Cattaneo, Vincenzo Ferrari, Salvatore Licitra, Elena Modorati, Guido Pautasso, Marco Nereo Rotelli, Aldo Spinelli.

Testo e presentazione di Giampiero Mughimi.

Inaugurazione martedì 29 maggio ore 18.30

Freud dice che nei sogni le parole sono trattate come cose. Nello stesso senso si possono intendere quelle parole che entrano a far parte o costituiscono propriamente un'opera, perdendo la propria appartenenza al discorso logico e funzionale per agire come forme e corpi nello spazio.

Questo spostamento di campo dalla parola all'immagine (e viceversa), implica un'apertura mentale (del resto Leonardo sosteneva che l'arte in sé e per sé fosse “cosa mentale”) che consente una libertà di gioco o, più seriosamente, la possibilità di riattingere a quel grado elementare di significatività della scrittura che connette il segno alla sua radice iconica e al gesto che lo traccia.
Qualsiasi declinazione assuma, il recupero della scrittura nella pratica artistica ha necessariamente in sé una componente autoriflessiva, sia perché la scrittura è depositaria per eccellenza della cultura, sia perché essa rappresenta il massimo grado di specializzazione nel processo astrattivo del segno.
La parola trattata come “cosa”, lavorata dall'arte come presenza fisica, materiale e corporea incrina l'ovvietà del discorso, lo sconnette e lo riimpagina tramite alfabeti inediti, densi come ogni immagine, la cui decifrabilità smette di essere garantita (fino alla propria sparizione come avviene con Enrico CATTANEO; con una mimesi e una riduzione a gesto energetico nel caso di Irma BLANK; sottolineandone la fantasmaticità e l'ambivalenza nella volontà di Elena MODORATI; riattivata in una pratica combinatoria più specificamente materiale da Salvatore LICITRA, iconica da Vincenzo FERRARI, decisamente concettuale per Aldo SPINELLI e rivista in chiave pop-surreale da Guido Andrea PAUTASSO; oppure attraverso una esasperazione calligrafica che si iscrive nudamente nello spazio nella ricerca di Marco Nereo ROTELLI e che nel lavoro di Luciano CARUSO, riempie con la propria traccia continua lo spazio, costruendo nuove forme).
Ecco che si definisce così il percorso ideale della quinta edizione di LEGGERE, non leggere: un viaggio nella parola fatta immagine, diventata oggetto di rielaborazione, di re-invenzione, di libera interpretazione da parte di artisti che hanno scelto la parola come “materia” per la loro ricerca e su di essa hanno costruito un paradigma artistico eclettico e assolutamente imprevedibile.

IN ONORE DI UN RIBELLE ORGOGLIOSO
E' come una città underground, una città col suo reticolato di strade e piazze e monumenti. Una città struggente da quanto va contro la città ufficiale dell¹organizzazione culturale contemporanea. Una città che ha i suoi príncipi, uomini che fanno da stemma ai suoi diversi quartieri e siti.
Luciano Caruso, morto nel 2002 a 58 anni, è stato uno di quei príncipi.
E anche se lui non avrebbe amato la definizione “underground” che ho appena usato. La città che per quarant'anni della sua vita ha ardentemente contribuito a edificare - la città della poesia visiva, dell'incrocio tra le avanguardie letterarie e pittoriche, della combustione culturale che infiammò gli anni Sessanta -, lui la voleva come una città “off”. Una città che fosse fuori e contro.
Nato nel 1944 nelle montagne del Sannio, Caruso aveva cominciato da napoletano, la città di Pasquale Prunas, di Anna Maria Ortese, di Lucio Amelio, uno dei più grandi galleristi d'arte nell'Italia del secondo Novecento. Visse e finì la sua vita a Firenze, dove s'era trasferito nel 1977. Ogni giorno che Dio manda in terra si alzava alle cinque del mattino a cominciare la sua colluttazione con le arti e con i linguaggi, dalla poesia al saggio colto, dalla pittura al libro d'artista in unica copia, dalla organizzazione di mostre che fanno data alle collane editoriali sulle quali impresse il marchio della sua personalità e della sua passione.
E' gran tempo che a Caruso sia dato l'onore che merita. Evviva la galleria “Derbylius” che ha fatto e fa da antesignana nella messa in valore di un'opera strabocchevole e che esce dai binari, binari di cui Caruso si strainfischiava.
A denominare l'opera di Caruso ho detto saggio, poesia, pittura, libro d'artista. Eppure il termine che meglio si addice al suo lavoro artistico lo aveva coniato lui stesso, e cioè che l'attività artistica fosse una sorta di “gest-azione mentale”. Un insieme di riflessione accorta e di azione spudorata, l'una imprescindibile dall'altra. Più ancora che il risultato conta la tensione verso quel risultato, l'avvicinamento a quel risultato. E difatti le sue opere - i quadri e i libri d'artista esposti alla Derbylius - è come se fremessero, come se fossero in movimento. Sono quadri che non sopportano di essere soltanto quadri, di stare entro a una cornice. Sono libri d'artista - ai quali talvolta aveva lavorato per anni - che non sopportano di essere soltanto libri, non lo sopportano proprio.
E' singolare che l'omaggio della Derbylius a Caruso avvenga nel novero di una mostra cui Carla Roncato dà come titolo “Leggere”. Bastasse leggerli i libri di Caruso! No, bisogna fare molto di più. Toccarli, tastarli, annusarli. Sono libri che vanno gustati con gli occhi, con le dita, con l'olfatto. Libri fatti talvolta di sassi e di cortecce d'albero, e che di quelle materie conservano l'asperità, il suono. E mentre la poesia fa da sottofondo, da filigrana, da canovaccio della mente immaginante.
E' stato il lavoro e il lavorìo estenuante di Caruso, di Emilio Villa, di Stelio M. Martini, di Mario Diacono, di Adriano Spatola, gli altri príncipi della città di cui ho detto all¹inizio. E vale per il lavoro di Caruso quello che lui scrisse dei gruppi di avanguardia napoletana di cui lui era stato un protagonista a partire dai primi anni Sessanta. Che quei gruppi avevano fecondato “un corpus imponente, realizzatosi con carnets, manifesti, fogli, foglietti, libri-opera, libri-oggetto, poesie-oggetto, nastri, films, libri, libelli, in copie a stampa o in edizione originale in un unico esemplare, in cui colpisce il carattere costante di trascrizione, di rimando alle discussioni del collettivo, di antigrazioso, di assoluta materialità e manualità, di rifiuto della Opulizia” tipica del prodotto pronto per il mercato, e in generale di abnorme [S].

Sarebbe da idioti inventarsi un'unica formuletta che valga a cucire l'omaggio a Caruso con l'altra sezione della mostra alla Galleria Derbylius.
Con la sezione che offre lavori di otto artisti contemporanei, da Irma Blank a Aldo Spinelli, da Guido Andrea Pautasso a Elena Modorati, dal fotografo Enrico Cattaneo a Salvatore Licitra, da Marco Nereo Rotelli a Vincenzo Ferrari. Ognuno di loro in quella città sotterranea e struggente di cui ho detto ci vive e ci ha vissuto a modo suo, entrandone e uscendone. Ognuno di loro è al confine tra i generi e i linguaggi artistici quanto lo è stato Caruso. Ognuno di loro non si avvicina al “mercato” a farsene applaudire, e bensì chiede al potenziale lettore o al potenziale acquirente di venire a lui e cercare di capire. Le opere di ognuno di loro sono assieme il frutto di un calcolo intellettuale e di un'azione. “Leggere”? No, molto di più.

GUIDO ANDREA PAUTASSO

WORKS AND ABSENCE
(1997-2007)

«Capovolgete la clessidra e fissate con una rapida occhiata le mie opere. Grazie ad un improvviso e imprevisto cortocircuito vi troverete in mezzo a dissezioni, a scomposizioni e a ricomposizioni di frammenti di immagini e di lacerti di materiale cartaceo. Sarete incantati da oggetti scartati dalla vita quotidiana e per questo destinati ad appartenere al mondo dei sogni. Viaggerete in una libera costellazione, passando attraverso una pattumiera dell'esistente costituita da nuove icone, da frammenti di pubblicità, da ambigui messaggi erotici e subliminali. Senza perdere tempo sarete al centro di un incrocio disordinato dalla forza straniante, come se faceste parte di una natura morta in cui gli oggetti rappresentati però stavolta sono destinati a prendere vita con nuovi significati. Finirete per essere proiettati in un ipotetico supermarket del piacere, in un'orgia, in un non-luogo dove regnano la casualità e la marginalità. Queste sono le mie opere, opere che rappresentano desideri e stati dell'essere e che aiutano a rilevare, attraverso l'assenza, il bisogno, o meglio, la necessità di fuggire altrove, di continuare a sognare».

IRMA BLANK

La scrittura come esperienza, del corpo e della mente, che nel consegnarsi all'azione dello scrivere trascende la nostra misura. Irma Blank mette in scena l’annullamento del significato del linguaggio, ed esalta, dandole dignità di autonomia, il corpo della scrittura. Dischiude quello spazio aperto dove la potenza del significare è li, anche se non viene nominata.

La ricerca della Blank si articola in grandi cicli:
Eigenschriften, Trascrizioni, Radical Writings, Denkmuster, Avant-testo e Hyper-Text, News.

In questa mostra saranno esposte opere di piccolo formato del ciclo delle Trascrizioni, caratterizzate dalle differenti impostazioni tipografiche dei testi trascritti.
Nei libri recupera, oltre alla dimensione visiva, la dimensione tattile - leggere con le mani - e quella uditiva: le pagine pergamenate trasmettono le tensioni sonore a chi le sfoglia.
Registra la sonorità del gesto scritturale: "musica scritturale" e dà voce (Summton) alla scrittura silenziosa in una performance di "lettura" alla Libreria di Poesia l'Oca a Roma.

Irma Blank ha presentato grandi opere delle Trascrizioni in mostre personali a Milano, München, Hamburg, Stuttgart, Bolzano, Torino, Bologna, Berlin, Livorno, Roma, New York e Paris e in numerose mostre internazionali fra cui Documenta e la Biennale di Venezia.

Gian Antonio Garlaschi
BALLS N.1 / N.23

BALLS N.1 / N.23. Sfere su cui le parole del quotidiano si rincorrono in una spirale infinita. Sono fatte di frasi e di sfere le opere di Gian Antonio Garlaschi. Frasi prese dal quotidiano, consumate dall’uso frettoloso e frequente, ripetute qui all’infinito, scritte e riscritte seguendo un moto a spirale, come in un mantra  “occidentale” che deve liberare la mente non dai pensieri, ma dai significati logori, superficiali, apparenti.

Lui le chiama semplicemente palle, le sue sfere di legno sulla cui superficie lavorata incide il filo di messaggi rimasti incagliati nella memoria. Palle graffiate in cerchi concentrici con il tratto indelebile dei pensieri ossessivi, quelli che non lasciano spazio a niente altro.
Parole che si ripetono, sempre le stesse, a fermare un ricordo (un punto di ripartenza, ball23), una domanda (c’è qualcosa dentro?, ball1), una traccia raccolta nel tempo delle giornate ordinarie (leggere attentamente le istruzioni prima dell’uso, ball15).

Figura magica, la sfera, quella dal centro equidistante da tutti i suoi punti e considerata, dagli antichi filosofi, espressione del divino. Borges  scriveva che "sei secoli prima dell'era cristiana, il rapsodo Senofane da Colofone, stanco dei versi di Omero che recitava di città in città, fustigò i poeti che avevano attribuito sembianze antropomorfiche agli dei e propose ai greci un solo Dio, che era una sfera eterna”. Secondo Parmenide l’Essere è "una sfera perfettamente rotonda, la cui forza è costante dal centro in qualunque direzione". Ed è su questa assoluta perfezione che si imprime il segno della nostra imperfezione, quello che ci rende unici.

Gian Antonio Garlaschi, apprezzato restauratore di libri antichi, ha poca dimestichezza con i discorsi grondanti parole. La sua arte abita spazi dove i silenzi sono necessari. Eppure romperli diventa a volte una necessità altrettanto assoluta. E così, la parola segnata come all’infinito sulle sue balls ritma la musica di un mantra che solca la profondità della materia e dell’animo (questa è solo la superficie, ball22). Quasi un processo di autoguarigione: la frase, nevroticamente ripetuta sulla superficie della sfera, indica il tentativo di recuperare le loss junghiane, le parti di sé andate perdute… come se, ritrovandosi sempre nello stesso punto, si potesse sempre ripartire.

Nel corso della mostra

" LEGGERE, non leggere" …
... Libro d'artista e oltre - 4a edizione

VEDO NERO

mercoledì 20 settembre
Intervengono gli autori
Fabrizio Parachini e Guido Andrea Pautasso

Un viaggio attraverso i confini della scrittura, nel libro d'artista, nel  libro oggetto e nell’opera d’arte in quanto tale, che quest'anno giunge alla quarta edizione.
Mercoledì 20 settembre gli stessi autori  Fabrizio Parachini e Guido Andrea Pautasso presentano Vedo nero, un libro che trasforma ironicamente la parole in un gioco grafico e di immagini.
In Vedo nero la pagina diventa un campo di esercizio visivo e verbale pronto a svelare relazioni e significati inattesi.
Le immagini  e le semplici strutture geometrico-linguistiche sono legate da consequenzialità, si ordinano sulla superficie cartacea senza occuparla invasivamente, la loro disposizione è o centrale o periferica, e celebre il bianco ribaltandone il valore  trasformandolo in nero.



SCHEDA TECNICA - Vedo nero, 2006.
Una cartella di 13 quartini realizzati in stampa digitale da Fabrizio Parachini, una cartella di fogli di commento in copia fotostatica di Sergio Pautasso,
un testo introduttivo di Guido Andrea Pautasso raccolti in boite di stoffa nera di cm 23 x 32 x 4,4.
Dieci esemplari numerati, firmati e timbrati dagli autori.
Prezzo: € 500,00

Nel corso della mostra

" LEGGERE, non leggere" …
... Libro d'artista e oltre - 4a edizione

Eleonora Fiorani presenta il libro d’artista di Libera Mazzoleni

“ATLANTE DEL MONDO la mappa del potere”

Libera Mazzoleni - è un’artista attiva dagli anni ‘70. Ha partecipato a numerose manifestazioni personali e collettive. Dalla scultura degli anni ’70 alle performance (la danza della gru cieca 1993, MK ULTRA 2004), dalla pittura al video (da CAMP DAVID? 2003 a elementi di biopolitica o dell’esclusione), emerge nella sua ricerca una visione dell’arte intesa come un continuo dialogo con l’esistente.

L’Atlante del Mondo globalizzato potrebbe essere letto allora come oggetto anamorfico, un oggetto che nasce dalla rottura perturbante del familiare e fa vedere altro. Inizia così un altro percorso, un altro racconto che dice l’indicibile, il non figurabile; dice la fine di quella tensione tra Terra e Mondo custodita dai gesti della cura, dice che il Mondo ha soffocato la Terra, che ogni ente può esistere solo nella funzione di mezzo destinato al consumo; con i suoi dettagli in eccesso continuamente ripetuti e distribuiti su una superficie sfigurata apre una fenditura nella narrazione compatta, logica e rassicurante del cammino di civiltà vittoriosamente percorso dall’Occidente.

Libera Mazzoleni. Atlante del mondo. La mappa del potere. Milano, Lupetti, 2006. € 20,00.
Edizione speciale in 50 copie con opera originale numerata e firmata € 250,00.

Le riviste d'arte d'avanguardia riconducibili al fenomeno dell'esoeditoria (termine che indica tutto ciò che sta "fuori" dall'industria editoriale, per scelta o per necessità) si presentano come fogli malamente stampati in bianco e nero sbiadito o ciclostilato su carta povera, con un raro uso del colore, di imbarazzante inconsistenza fisica, di dubbia o inesistente distribuzione.
Si tratta di tutte quelle esperienze editoriali autogestite, autofinanziate e autonome che hanno prodotto oltre ai periodici anche libri, plaquettes, cataloghi, manifesti, volantini ecc.
Le riviste hanno sempre svolto un ruolo fondamentale negli sviluppi del sistema dell'arte contemporanea, sia come strumenti d'informazione critica dell'attività delle gallerie, sia soprattutto come battaglieri momenti di riflessione teorica e di promozione artistica dei gruppi e degli ambienti d'avanguardia.

I libri di Mirella Bentivoglio, Irma Blank, Ugo Carrega, Eugenio Miccini, Luciano Ori, Luca Patella, Michele Perfetti, Arrigo Lora Totino, Franco Vaccari, William Xerra; i libri-opera di Luciano Caruso, Stelio Maria Martini e Lamberto Pignotti.

La serie completa delle "Sibillae" di Emilio Villa: Jerico, Ginestra e Quaedam Horroris, una edizione del 1980 composta da tre poesie realizzate su lastra di piombo in soli 10 esemplari.

La poesia concreta brasiliana con le pubblicazioni della "Collana Signos" diretta da Haroldo De Campos, con libri di Affonso Avila, Arnaldo Antunes, Augusto e Haroldo De Campos.

I libri a tiratura limitata di Gianni Bertini, Roberto Ciaccio, Mario Diacono, Emilio Isgrò, Maurizio Nannucci, Ugo Nespolo, Arturo Schwarz e Lucio Del Pezzo, Vincenzo Ferrari e Alik Cavaliere.

Gli artisti del contemporaneo attraverso le opere di: Mariolina Amato, Loriana Castano, Simonetta Ferrante, Francesca Gagliardi, Gianni Gangai, Emanuele Magri, Gianni Martini, Greta Matteucci, Elena Modorati, Santi Norma, Johan Peter Hol, Li Chi Choi, Fabrizio Paracchini, Guido Pautasso, Pippa Bacca, Roberto Ranghieri, Sara Scalas, Anna Spagna, Giacomo Spazio, Matteo Straccia, Carlo Tognolina, Dario Tonaccia, Piero Varroni, Arianna Veneroni, Francesca Vivenza.

Nel corso dell'esposizione verranno organizzati alcuni eventi, primo dei quali giovedi 16 giugno, con la performance musicale di Stefania Pedretti, che presenterà il secondo Quaderno d'artista edito da Derbylius.

Gli artisti di Iceberg nel tentativo di uscire dal luogo comune della "collettiva" hanno progettato un'opera da realizzare e allestire insieme.
Dalle "tracce" di un precedente allestimento è nata l'idea di fare un multiplo di 15 scatole per avere la possibilità di ripensare in quelle "tracce" le ragioni della continuità e della permanenza di un evento passato in quello presente.